Jean-Philippe Rameau: Le Violon de Rameau - Théotime Langlois de Swarte, violon - William Christie, clavecin et orgue

Jean-Philippe Rameau:  Le Violon de Rameau - Théotime Langlois de Swarte, violon - William Christie, clavecin et orgue

Rameau n’a laissé aucune sonate pour violon et basse continue, mais son théâtre, ses danses et son orchestre regorgent de gestes violonistiques. Théotime Langlois de Swarte et William Christie en imaginent ici le prolongement avec une intelligence et une liberté remarquables : un disque moins archéologique que vivant, porté par une complicité générationnelle exceptionnelle, même si l’ordre du programme et une certaine volupté de ton peuvent parfois émousser la tension.

Harmonia Mundi HAF8905408
Note: 4,5/5

Visionner le clip vidéo
Acheter cet album
Accéder à la chaîne Altea Media I Love TV

L’idée pourrait relever du simple jeu musicologique : puisque Rameau n’a pas laissé de sonates pour violon et basse continue comparables à celles de Leclair ou Mondonville, pourquoi ne pas imaginer ce qu’aurait pu être son « violon » à partir de ses opéras, de ses pièces de clavecin, de transcriptions historiques et du répertoire de ses contemporains ? Mais entre les mains de Théotime Langlois de Swarte et William Christie, le projet échappe très vite à la démonstration savante. Il devient une conversation sur la mémoire, la transmission et cette manière très particulière qu’a le XVIIIe siècle de faire circuler la musique d’un genre à l’autre.

Le violon n’est jamais chez Rameau un simple instrument décoratif. Il anime les danses, double ou prolonge les voix, aiguise l’action dramatique, participe aux changements de climat. Le mérite de Langlois de Swarte est de ne pas chercher à transformer artificiellement ce langage en virtuosité italienne. Même lorsque la transcription place le violon au premier plan, il conserve une qualité parlée, presque théâtrale, faite d’inflexions, de respirations et de gestes plutôt que d’effets.

La présence de William Christie est décisive. Leur entente dépasse très largement le rapport soliste-accompagnateur : les phrases semblent être prises et relancées par l’un avant même que l’autre ne les ait terminées. Dans Les tendres plaintes, cette respiration commune devient presque l’essentiel de l’interprétation ; chaque transition est préparée dans la précédente, les ponctuations sont légères, et la continuité reste fluide sans jamais devenir molle.

Christie évite surtout que cette suavité ne tourne à l’indistinction. Ses changements de registres au clavecin apportent sans cesse une nouvelle lumière, un changement de perspective, parfois une légère sécheresse qui empêche la beauté de se complaire en elle-même. C’est là tout l’art de ce duo : offrir une musique très séduisante tout en conservant une vraie intelligence du relief.

La transition entre une improvisation de Christie et la Première Gavotte pour Hébé et les Plaisirs célestes de Castor et Pollux est l’un des plus beaux moments du disque. Langlois de Swarte y entre presque à découvert, sur la corde de ré à vide de son Carlo Bergonzi de 1733, comme s’il osait à peine rompre le silence ; la ligne s’épanouit ensuite peu à peu jusqu’à devenir véritable rhapsodie. C’est exactement dans ce type de passage que l’on comprend ce que le disque cherche à faire : non pas reconstruire un Rameau qui n’a jamais existé, mais prolonger son monde par l’imagination.

Cette dimension de transmission est particulièrement forte lorsqu’on connaît le parcours de Langlois de Swarte au sein des Arts Florissants. Quelques années auparavant, il occupait encore un pupitre d’orchestre sous la direction de Christie ; aujourd’hui, il dialogue avec lui d’égal à égal. Cette évolution n’a rien d’anecdotique, car elle s’entend dans la musique : il ne s’agit pas seulement d’un jeune interprète qui applique un style appris, mais de quelqu’un qui en a absorbé les gestes, les respirations et les réflexes.

Le cas des Sauvages est particulièrement révélateur. La célèbre page des Indes galantes a été jouée et rejouée jusqu’à devenir presque un cliché du baroque français, mais la transcription historique de Théodore-Jean Tarade lui restitue ici un mordant spectaculaire. Langlois de Swarte y déploie une virtuosité franche, mais surtout une invention constante : accents déplacés, articulations changeantes, attaques mordantes, relances rythmiques. La page retrouve une sauvagerie réelle, loin du simple morceau de bis.

C’est peut-être le moment où l’album atteint son point d’équilibre idéal entre éloquence et virtuosité. Le violoniste possède évidemment les moyens techniques nécessaires — doubles cordes, croisements rapides, traits acérés — mais ils ne sont jamais présentés comme une fin en soi. Tout reste au service du caractère.

Les pièces de contemporains jouent un rôle essentiel dans cette construction. Branche, Cupis, Bordet, Aubert, Exaudet ou Tarade offrent autant de miroirs possibles de ce que pouvait être le langage violonistique français autour de Rameau. Leur présence permet de comprendre combien le maître reste finalement singulier : même réduit à deux instruments, son langage conserve une densité harmonique et une puissance de caractérisation que les pages plus directement virtuoses de ses contemporains n’atteignent pas toujours.

On pourra pourtant formuler deux réserves. La première concerne l’ordre du programme. La succession de fragments, transcriptions, sonates et improvisations ne trouve pas toujours une courbe totalement convaincante ; certains enchaînements paraissent davantage dictés par le contraste ou la curiosité que par une nécessité dramaturgique.

La seconde touche Langlois de Swarte lui-même. Son goût de la couleur, du port de voix, du rubato et de la ligne voluptueuse est l’une de ses grandes forces, mais il peut parfois prolonger trop longtemps ce registre de séduction. À force d’élégance, certaines pages risqueraient presque de perdre leur mordant.

C’est là que l’orgue de l’abbaye de Saint-Michel en Thiérache joue un rôle salutaire. Sa sonorité plus âpre, plus pungente, vient briser l’enchantement, réintroduire de la verticalité et une densité plus austère dans un programme souvent très sensuel. Ce changement de couleur évite au disque de rester prisonnier d’un même climat.

La prise de son accompagne admirablement ces contrastes. Le violon est suffisamment proche pour que l’on entende la matière de la corde, les attaques, le grain du Bergonzi, mais jamais au point de perdre l’espace. Le clavecin reste précis et coloré, tandis que l’orgue apporte une profondeur acoustique qui modifie immédiatement la perspective.

Le projet convainc donc moins par l’idée d’un hypothétique « violon de Rameau » que par ce qu’il révèle de la pratique musicale elle-même : la circulation des œuvres, la liberté de la transcription, la transformation des rôles et, surtout, la transmission d’un langage d’une génération d’interprètes à une autre.

Christie et Langlois de Swarte ne reconstituent pas un objet disparu ; ils inventent un espace crédible dans lequel Rameau aurait pu reconnaître sa propre musique. Et lorsque la respiration commune, le jeu des timbres et l’invention atteignent leur meilleur niveau, le résultat dépasse largement la curiosité historique.

Un disque raffiné, vivant, souvent sensuel, parfois un peu trop amoureux de sa propre beauté, mais porté par une complicité musicale rare et par quelques moments véritablement inspirés.

Visionner le clip vidéo
Acheter cet album
Accéder à la chaîne Altea Media I Love TV